0S MELHORES FILMES CULTS QUE EU VI EM 2021

METROPOLIS

País: Alemanha

Ano: 1927

Já havia assistido antes? Não

Surreal, expansivo e operístico, baseando-se em imagens cristãs bíblicas e medievais, bem como A Máquina do Tempo de H.G. Wells, Metropolis, do expressionismo alemão do cineasta austríaco Fritz Lang, colonizou um novo reino da imaginação que moldou a ficção científica subsequente de Flash Gordon a Star Wars, de "Os Jetsons" a Blade Runner. As paisagens futuristas da cidade que são um marco da ficção científica, com seus arranha-céus impossivelmente maciços e veículos voadores enfiando cânions de concreto, todos devem uma dívida ao filme de Lang, um dos pontos altos do expressionismo alemão.

Como alegoria social, Metropolis retrata um mundo em que os filhos privilegiados da sociedade vivem em facilidade e luxo na superfície enquanto nas entranhas da cidade trabalhadores operam as máquinas que sustentam todo aquele mundo. Com o tempo, essa situação opressiva eventualmente leva aos conflitos de classe.

Observa-se perceptivamente nesse cenário uma semelhança impressionante com a história do futuro mundo visitado pela Máquina do Tempo de Wells, onde os Morlocks trabalhavam em máquinas subterrâneas para servir aos burgueses. No entanto, em A Máquina do Tempo, esse conflito de classes eventualmente leva ao que está em vigor a revolução marxista, com os Morlocks proletários se levantando e subjugando os burgueses. Em Metropolis, há uma visão surpreendentemente contrastante que leva o seu conflito de classes a uma resolução diametralmente oposta, baseando-se em imagens religiosas e inspiração na defesa da reconciliação não violenta entre as classes.

Na verdade, Metropolis avança a tese provocativa de que a violência revolucionária realmente serve ao interesse próprio da classe dominante, uma vez que permite que eles respondam esmagando elementos dissidentes. 

O enredo onírico, que se baseia em conexões emocionais e poéticas ao invés de lógicas, envolve um jovem herói infantil chamado Freder (Gustav Fröhlich) cujo pai ditatorial (Alfred Abel) é o mestre de Metropolis, uma jovem idealista chamada Maria (Brigitte Helm) que tenta oferecer esperança aos trabalhadores oprimidos, e um cientista sinistro chamado Rotwang (Rudolf Klein-Rogge) a quem o pai de Freder se alia para subverter os esforços de Maria construindo um "clone" robótico da mesma.

Mais importantes do que a história são as imagens inesquecíveis: as intermináveis colunas de trabalhadores marchando em sincronia noturna e de seu terrível trabalho; a monstruosa Máquina "M", revelada em um momento visionário para incorporar o espírito de Moloch, a divindade sanguinária do Canaã do Antigo Testamento; Freder agonizantemente trabalhando na máquina relógio parecendo Cristo crucificado; o striptease lascivo do robô-Maria seduzindo os pais privilegiados de Metropolis para os Sete Pecados Capitais; a imensa catedral gótica em que o confronto final ocorre.

Alusões religiosas estão por toda parte. Maria e sua "clone" malvada sugerem respectivamente a Virgem Maria e a Prostituta da Babilônia. Freder, o filho, é um agente de reconciliação semelhante a Cristo, enquanto o pai Joh é um deus autointitulado tomando o lugar do próprio Deus seu próprio mundo, até desencadeando uma inundação para destruir seu povo quando eles o desagradaram. Os escritórios de Joh estão em um arranha-céus chamado Nova Torre de Babel, e o conflito climático está repleto de referências ao Apocalipse.

Osamu Tezuka, considerado "O Deus do mangá", falava abertamente que as suas maiores inspirações para a arte estavam em Walt Disney e no expressionismo alemão. Inclusive está entre as obras que Tezuka deixou a sua própria versão de Metropolis, que ganhou animê em 2001, uma obra-prima que para a sua produção contou com uma equipe de estrelas como o diretor Rintaro, Katsuhiro Otomo, como roteirista, a animação ficar a cargo do estúdio Madhouse com suporte conceitual da Tezuka Productions.

LUZES DA CIDADE

País: EUA

Ano: 1931

Já havia assistido antes? Não

Luzes da Cidade é o quintessencial filme de Charlie Chaplin, o mais perfeitamente elaborado e satisfatório de todos os seus filmes, e também o mais representativo de todas as diferentes texturas e tons pelos quais o inigualável ator é lembrado, o sentimento, a farsa e a irreverência, o melodrama e os comentários sociais. 

As observações sociais mais destacáveis no filme do personagem interpretado por Charlie Chaplin estão na forma um par de relacionamentos com dois indivíduos: uma florista cega (Virginia Cherrill) e um milionário alcoólatra e de tendências suicidas (Harry Myers), cujas respectivas incapacidades permitem que eles aceitem o inaceitável. Sempre que o milionário está sóbrio ele expulsa Chaplin da sua presença, mas quando bêbado ele o recebe como um amigo. A garota cega, também, faz amizade com Chaplin, embora, se ela pudesse vê-lo, presumivelmente não teria nada com ele.

No entanto, ironicamente, suas cegueiras permitem que eles vejam o como ele realmente é, um sujeito com um coração de ouro que salva repetidamente a vida do milionário mesmo diante de muito perigo para si mesmo, e que está disposto a arriscar tudo para dar à garota cega uma chance de vê-lo, mesmo com a possibilidade de perdê-la. 

A emoção da cena final inesquecível e delicadamente avassaladora. Os espectadores iniciantes certamente devem segurar a respiração em antecipação, imaginando se a cena terminará em realização feliz ou ironia cruel.

TEMPOS MODERNOS 

País: EUA

Ano: 1936

Já havia assistido antes? Não

Filmes mudos já estavam fora de moda em 1936, quando Charlie Chaplin completou seu último filme mudo, Tempos Modernos. Um filme mudo conscientemente feito para a era do som, uma obra-prima cômica que permanece acessível hoje até mesmo para os amantes de cinema criados em imagens de computador e som surround.

Em parte, isso se deve às concessões de Chaplin à nova era: O filme tem uma trilha sonora sincronizada, incluindo efeitos sonoros e diálogos limitados baseados em "efeitos sonoros", bem como a própria partitura de Chaplin (a música sempre foi integral para filme "silencioso") e uma canção mesmo muito única escrita e cantada por ele mesmo, que de alguma forma inventa para não conter o que normalmente seria chamado de letras. Chaplin assim escreveu, dirigiu, estrelou, produziu, cantou e dançou em Tempos Modernos, sem mencionar fazer suas próprias acrobacias, incluindo algumas patinações extremas e um mergulho de cabeça em alguns centímetros de água.

Outro fator na acessibilidade contínua de Tempos Modernos é a influência duradoura do trabalho de Chaplin. Mais de uma cena do filme parecerá estranhamente familiar para os espectadores modernos que o assistem pela primeira vez. 

Mas a razão mais importante para a relevância contínua do filme são seus temas contemporâneos e perspectiva de futuro. A famosa cena de abertura simbólica, com imagens de ovelhas se aglomerando através de uma passagem se dissolvendo em imagens de trabalhadores saindo de uma estação de metrô, não perdeu nada de seu impacto. De fato, os espectadores contemporâneos facilmente farão a conexão entre a imagem de Chaplin e o mundo dos recintos e passagens tão familiares aos moradores do cubículo da América corporativa.

Outra cena inicial mostra Chaplin tentando fazer uma pausa durante o horário de trabalho no banheiro quando na tela de um grande monitor na parede surge a imagem da cabeça do seu chefe ordenando que ele pare de enrolar e volte ao trabalho. O público moderno que assiste a esta cena pode refletir com tristeza sobre a realidade cotidiana da vigilância eletrônica no local de trabalho, talvez nem mesmo percebendo que a sequência foi filmada décadas antes da televisão viável.

Como todos esses exemplos sugerem, Tempos Modernos olha para o futuro, mas não com entusiasmo. Muitas vezes descrito como uma sátira da era das máquinas, o filme tem de fato um tema mais amplo: os efeitos desumanos de muitos aspectos da modernidade, incluindo industrialização, burocracia, urbanização e aplicação da lei.

Obviamente Chaplin não era contra o progresso ou a tecnologia, afinal, o cinema em si, mesmo o cinema silencioso, é um meio quintessencialmente moderno. E não é preciso dizer que a era moderna trouxe muitos avanços extraordinários em áreas como medicina, produção de alimentos, e assim por diante. É fácil imaginar alguém fazendo um filme chamado Tempos Antigos destacando as dificuldades da vida em condições pré-modernas. Ainda assim, mesmo que decidamos no final que, considerando tudo, preferimos a qualidade de vida de hoje à de períodos anteriores, isto não deve nos impedir de reconhecer os males sociais e falhas do nosso próprio dia-a-dia.

Um tema recorrente em Tempos Modernos é o fenômeno do desemprego. Agora, obviamente não há nada de novo sobre pobreza e fome generalizados, mas o desemprego como o conhecemos hoje é um desenvolvimento relativamente recente, um subproduto da economia moderna da força de trabalho que exige que todos "consigam um emprego". Nas sociedades pré-modernas, em geral, o desafio para pessoas capazes era muitas vezes menos "encontrar trabalho" do que ser capaz de sobreviver no trabalho que se fez.

Muitos brasileiros estão hoje em condições de ter que roubar para sobreviver como a personagem do filme vivida pela belíssima Paulette Goddard, esposa real de Chaplin na época ou como os assaltantes que ele encontra enquanto trabalha como segurança, um dos quais diz melancolicamente: "Não somos ladrões - estamos com fome". Esta afirmação tem alguma justificativa no ensino moral tradicional, que define o roubo como usurpar a propriedade de outro contra a vontade razoável do proprietário, com a condição de que aquele em perigo de morte por falta de comida, ou sofrendo qualquer forma de necessidade extrema, pode legalmente tomar de outro tanto quanto é necessário para atender sua angústia atual, mesmo que a oposição do possuidor seja inteiramente clara. A razão tem a ver com a hierarquia dentro do direito natural. O roubo é uma violação do princípio da propriedade privada, mas esse princípio é subordinado a uma lei superior: o destino universal dos bens criados.

Por uma questão de necessidade prática, o destino universal dos bens criados é servido pelo princípio da propriedade privada, que incentiva todos a trabalhar em benefício próprio, ajudando assim a garantir que os bens do mundo sejam devidamente desenvolvidos e apreciados por todos. No entanto, nos casos em que as circunstâncias impedem que determinados indivíduos adquiram o que precisam para sobreviver, o princípio da propriedade privada pode dificultar em vez de servir ao destino universal dos bens criados.

O filme de Chaplin brinca com o comunismo como uma alternativa à injustiça do desemprego em uma sociedade sem redes de segurança. Naqueles dias pré-Guerra Fria, as simpatias comunistas eram mais socialmente aceitáveis, e, afinal, a América precisava desenvolver estruturas sociais que tornariam o desemprego mais viável e menos desumano. Apesar de sua consciência social, Tempos Modernos não se transforma em um tratado ou drama político, mas permanece muito mais uma tradicional tragicomédia. Chaplin aborda o desemprego e outras questões sociais, mas o faz obliquamente, com um leve toque, no contexto das desventuras cômicas de seu personagem.

Chaplin nos dá uma cena clássica após a outra: a demonstração da máquina de alimentação, a curta carreira como funcionário de um estaleiro, a hora do almoço na fábrica com o supervisor do preso em uma máquina gigante, e, claro, o número climático de música e dança, no qual a sua voz real é finalmente ouvida, mas a regra do filme contra palavras vocalizadas permanece intacta.

ROMA, CIDADE ABERTA

País: Itália

Ano: 1945

Já havia assistido antes? Sim

Desenvolvida em Roma durante a ocupação nazista, filmada na Cidade Eterna logo após a retirada nazista, este filme de Roberto Rossellini surpreendeu o público em todo o mundo que viu nele uma autenticidade não mediada mais evocativa da qualidade documental dos noticiários em tempo de guerra do que da artificialidade de dramas anteriores e mais convencionais da Segunda Guerra Mundial.

Em retrospectiva, Roma, Cidade Aberta é uma espécie de filme de transição, combinando elementos do que seria chamado de neorrealismo italiano com elementos do melodrama tradicional do estúdio. Suas cenas foram filmadas em sets, mas Rossellini também fez uso de ruas romanas ainda devastadas pela guerra que nunca poderiam ter sido duplicadas em estúdios, com becos cheios de escombros e edifícios marcados. Alguns espaços, como a escadaria triangular em um prédio de apartamentos, tornam-se tão familiares que sentimos que sabemos exatamente onde e como a ação se desenrola.

Atores profissionais desempenharam vários dos papéis principais, incluindo Anna Magnani, como a noiva grávida Pina, e Aldo Fabrizi, como o padre heroico Don Pietro, mas muitos dos atores anônimos poderiam ser ditos estar interpretando a si mesmos, e cenas como o saque da padaria definitivamente são do tipo Hollywood. As principais figuras nazistas - o brutal Major Bergmann (Harry Feist), a predatória Ingrid (Giovanna Galletti) - são vilões estereotipados, decadentes e sutilmente sexualmente depravados (em contraste com Pina e seu noivo viril (Marcello Pagliero), o líder partidário Giorgio Manfredi. Mas não há nada de inautêntico sobre os vilões de patente na grande peça do filme.

O coração moral da história, co-escrita por Rossellini e Federico Fellini, é sua celebração humanista da solidariedade unindo todos os tipos de cidadãos italianos - civis comuns como Pina, partidários comunistas como seu noivo Giorgio Manfredi (Marcello Pagliero), monarquistas como as forças invisíveis de Badoglio, o clero com Don Pietro, e até mesmo crianças como o filho de Pina Marcello (Vito Annichiarico) - contra o reinado racista do terror representado pelos nazistas. O engajamento do comunista Manfredi e da menos devota, mas ainda católica Pina, que planeja se casar com Don Pietro em vez de um oficial fascista, é um símbolo dramático dessa solidariedade.

O filme apresenta Don Pietro como um pouco ineficaz e distraído arbitro de um jogo de futebol masculino. Mais tarde, em um momento divertido, Don Pietro para em uma loja para pegar dinheiro e contrabandeá-lo para o movimento de resistência, onde ele desconfortavelmente contempla uma pequena estátua de São Rocco um pouco perto demais de uma outra estátua feminina de um nu voluptuoso, e tem que fazer dois ajustes antes que ele esteja convencido de que a castidade do santo é adequadamente honrada.

À medida que o filme continua, no entanto, o padre se torna uma figura cada vez mais heroica, confiando em seus privilégios clericais para tratar dos negócios da resistência mesmo após o toque de recolher. Na cena da invasão no prédio de Pina, Don Pietro corajosamente passa por soldados nazistas no prédio evacuado, sob o pretexto de administrar a unção dos enfermos a um homem doente terminal, mas na verdade pretendendo impedir que o jovem que integrava a multidão da rua venha à óbito ao atacar os nazistas com armas de contrabando. Embora a cena termine em outra nota cômica, a frieza do padre sob pressão é estabelecida - e quando ele e outras figuras da resistência são presas, a frieza de Don Pietro torna-se a determinação moral de um mártir em seu último julgamento. 

Na sede nazista, enquanto Manfredi está sendo torturado na sala ao lado, o Major Bergmann tenta jogar Don Pietro contra Manfredi dizendo: "Ele é um subversivo e um ateu - seu inimigo". "Eu sou um padre católico", responde Dom Pietro calmamente, "Acredito que qualquer um que luta por justiça e liberdade caminha nos caminhos do Senhor. E os caminhos do Senhor são infinitos." Este "batismo" do líder partidário ateu é aumentado à medida que o corpo despido e espancado de Manfredi é pressionado na forma de uma cruz contra a parede, como uma figura de um Cristo secular.

No final, quando o padre prevê que Manfredi não falará - acrescentando que rezará por ele - o conflito entre as visões de mundo nazistas e católicas chega ao silêncio de um partidário marxista. "Tenho um homem que deve falar antes do amanhecer", confidencia Bergmann a um oficial mais velho, Hartmann, "e há um padre que está orando por ele." Quando Hartmann pergunta se Manfredi pode não falar, Bergmann dispara: "Isso significaria que um italiano é tão bom quanto um alemão! Significaria que não há diferença no sangue de uma raça escrava e de uma raça mestre! Qual seria o objetivo de nossa luta?" Hartmann, porém, viu demais para aceitar a linha partidária. Ele lutou na primeira Guerra Mundial; ele viu patriotas franceses morrerem sem falar. "Nós, alemães, simplesmente nos recusamos a perceber que as pessoas querem ser livres", diz ele ao escandalizado Bergmann.

A fé de Don Pietro, e a sensibilidade católica teimosa dos soldados italianos na cena climática, dão um sentido triunfante de elevação espiritual ao que de outra forma seria um final meramente desanimador e desafiador. Temas religiosos, morais e políticos se entrelaçam até o fim: os meninos que assistem do lado de fora da cerca assobiam uma melodia partidária, seja para chacoalhar os soldados ou para encorajar o padre, que usa segundos extras para sussurrar as repetidas palavras de perdão pronunciadas pela primeira vez da Cruz de Cristo, de acordo com a narrativa bíblica. O último tiro apresenta proeminentemente a Basílica de São Pedro, nomeada para o apóstolo declarado como uma rocha, no horizonte sobre os meninos, enquanto eles vão em seu caminho, a próxima geração na luta por justiça e liberdade.

O PAGADOR DE PROMESSAS

País: Brasil

Ano: 1962

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"O Pagador de Promessas" é um filme brasileiro produzido em 1962, escrito e dirigido por Anselmo Duarte, baseado na peça homônima do dramaturgo Dias Gomes. Ganhador da Palma de Ouro, o principal prêmio do Festival de Cannes, na França, um dos festivais de cinema mais prestigiados e famosos do mundo. Brasil e Estados Unidos são os únicos países do continente americano a ganhar a honraria. Também se tornou o primeiro filme da América do Sul a ser indicado ao Oscar de melhor filme estrangeiro na edição de 1963. Em novembro de 2015, ficou em nono lugar na lista dos 100 melhores filmes brasileiros, segundo a Abraccine.

Na década de 1960, Zé do Burro (Leonardo Villar), um homem humilde, enfrentou a intransigência da Igreja quando tentou cumprir a promessa feita em um terreiro do Candomblé, que era carregar uma cruz de madeira pesada para uma longa viagem no interior da Bahia. Seu melhor amigo é um burro chamado Nicholas. Quando o burro adoece, ele não pode fazer nada para fazer o animal melhorar, então ele faz uma promessa a uma Mãe de Santo do Candomblé: se o burro se recuperar, ele promete que dividirá sua terra igualmente entre os mais pobres e levará uma cruz de sua propriedade para a Igreja de Santa Bárbara, em Salvador, onde ele vai oferecê-la ao padre local. 

Assim que seu burro se recupera, Zé começa sua jornada. Fielmente seguido por sua esposa Rosa (Glória Menezes), Zé chega ao templo de madrugada. O padre local, que representa a autoridade da religião oficial, se recusa a receber a cruz de Zé depois de ouvir dele a razão pela qual ele a carregou e as circunstâncias "pagãs" sob as quais a promessa foi feita, tornando sua realização impossível. 

Todos em Salvador tentam tirar vantagem do inocente e ingênuo Zé. Praticantes de candomblé querem usá-lo como líder contra a discriminação que sofrem da Igreja, jornais sensacionalistas transformam sua promessa de dar terra aos pobres em um grito pela reforma agrária, assunto ainda muito controverso no Brasil. Zé insiste em entrar na Igreja e recebe apoio da população pobre, que acredita ter ele o direito de pagar sua promessa, criando assim uma situação de conflito com o padre. 

A polícia é chamada para impedir a entrada de Zé e ele acaba morto em um violento confronto entre a polícia e manifestantes que o apoiam. Na última cena do filme, os manifestantes colocam o corpo de Zé em cima da cruz e forçam seu caminho para dentro da igreja.

O elenco e a direção do filme são todos impecáveis e a interpretação de Leonardo Villar é tão emocionante que pode arrancar lágrimas do mais durão dos espectadores. É muito triste ver como hoje a cultura brasileira parece mais uma espécie de obituário. Saudades de Leonardo Villar e de tantos outros grandiosos artistas que nos deixaram.

O HOMEM QUE NÃO VENDEU SUA ALMA

País: Reino Unido

Ano:1966

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Quem é você, afinal? O que define você? O que faz de você você? Não me fale sobre seu trabalho, sua família, seus hobbies ou interesses. Todos eles são reféns das circunstâncias, sujeitos a mudanças. Dado o preço certo, as circunstâncias certas, você pode deixar seu emprego. Sua família pode ser tirada de você, ou você deles. Por mais importantes que sejam essas coisas, elas são, em princípio, transitórias. Há algo em você que não seja transitório, não refém da circunstância, não sujeito a renegociação ou compromisso? Há alguma coisa, por exemplo, que você nunca poderia, em hipótese alguma fazer, independentemente do preço, ou qualquer pressão que possa ser feita sobre você? Se não há nada assim então você é realmente alguém? Você tem uma identidade, um eu? Ou apenas uma configuração específica nas condições atuais?

O homem que não vendeu sua alma é a história de um homem que sabe quem ele é. O filme de 1966, que ganhou seis Oscars, incluindo melhor filme e melhor ator (Paul Scofield), é brilhante e convincente, tem sabedoria genuína e sagacidade. O roteiro, bem adaptado por Robert Bolt de sua própria peça teatral, é ferozmente inteligente, profundamente impactante, ressonante com beleza verbal e graça. 

Thomas More sobe ao posto de Lorde Chanceler da Inglaterra antes de se desentender com o rei Henrique VIII sobre o seu plano de terminar seu casamento com Catarina de Aragão e se casar com Ana Bolena. Quando os bispos ingleses rompem com Roma e Henrique é declarado "Chefe Supremo da Igreja na Inglaterra", More, um católico fervoroso e piedoso, desiste de seu alto cargo e de todas as regalias que o mesmo proporciona. Para preservar sua liberdade e proteger sua família, ele também desiste de sua vida política e pública, tentando manter um perfil discreto.

Mas Sir Thomas é muito conhecido por abandonar a vida pública e seu silêncio é amplamente interpretado como desaprovação, tornando-se uma fonte de ansiedade privada e constrangimento público para o rei Henrique. O que se segue é um fascinante jogo de gato e rato, uma caça da raposa, com More como a raposa astuta e esquiva usando todos os truques para iludir os cães do rei que buscam seu sangue. 

More é um advogado brilhante, e sua defesa é legal: se ele mantiver seu silêncio, ele não pode ser acusado de se opor ao rei. Mas logo isso não é mais suficiente e ele deve desistir de sua liberdade e propriedade para salvar seu pescoço. E quando nem isso é suficiente, para preservar sua integridade, aceita entregar a sua vida porque há algo que ele nunca fará: ele não fará o juramento que aceita o título do Rei e o novo casamento.

Tudo isso é estranho à nossa era, quando a capacidade de celebridades e políticos de se reinventarem é amplamente considerada como uma habilidade básica de sobrevivência, e chegar ou manter o poder ou a fama é o bem mais alto. Quando um brilhante e carismático advogado se torna o mais alto funcionário do governo de seu país, e é então acusado e julgado por um crime, não esperamos que ele esteja tão preocupado com perjúrio ao ponto de escolher sacrificar sua carreira, renda, status social, liberdade e, eventualmente, sua vida. A menos, é claro, que você queira realmente se comprometer. Quando é dito que sua garantia mais solene está vazia, que você é incapaz de atestar o ponto em questão, é como ser dito que você não é ninguém, que não tem caráter, nenhuma identidade, nenhuma alma.

Há, de fato, um personagem a quem More diz isso: Richard Rich, um jovem superficial que no final tem uma mão na ruína de More. Rich quer um emprego no tribunal, mas More, sabendo da sua falta de caráter, não vai colocá-lo onde ele será tentado. Rich implora e implora, finalmente professando fervorosamente que "seria fiel". More olha nos olhos dele e diz deliberadamente: "Richard, você não poderia responder por si mesmo, mesmo esta noite." E naquela noite Rich prova que More estava certo. Ele é uma espécie de inverso de More: À medida que a integridade de More retira seus bens materiais, mas expõe as suas virtudes cada vez mais heroicas, a falta de substância de Rich faz com que ele aumente rapidamente em riqueza e status à medida que ele se torna cada vez mais corrupto.

Este é um grande filme. Acredito que é a representação cinematográfica mais profunda da vida de um santo. O fato de ter sido escrito por um não-cristão também serve para tornar mais evidente o poder convincente da fé e da virtude de More, um homem cuja luz interior é tão radiante que mesmo incrédulos são atraídos para homenageá-la. O mesmo pode ser dito de Joana D'Arc, que tanto deslumbrou Mark Twain que ele escreveu sua história de vida em uma de suas melhores obras.

AKIRA

País: Japão

Ano:1988

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Akira começa em 1988 com uma imagem chocante: uma explosão maciça, aparentemente atômica, entra em erupção no centro de Tóquio e inflama a Terceira Guerra Mundial. Depois que a guerra e mais de trinta anos, Neo-Tóquio cresceu dos escombros em uma metrópole de luzes brilhantes e arranha-céus impossivelmente altos. Manifestações políticas enchem as ruas, e forças do governo militarista recorrem à violência extrema para detê-los. Gangues de jovens motoqueiros agitam as rodovias e se envolvem em batalhas de estradas. E experiências secretas do governo resultaram em crianças estranhas e distorcidas com poderes incríveis. Este é o assustador e emocionante mundo cyberpunk criado por Katsuhiro Ohtomo, o artista de mangá e diretor de animê cuja visão inspiraria inúmeros outros artistas japoneses e diretores de cinema de Hollywood nos anos seguintes. Seu filme, lançado em 1988 e ainda considerado como um dos mais importantes animês já lançados, transcende as limitações através de seu incrível valor de produção, influência substancial, designs inesquecíveis e um comentário duradouro sobre o estado da identidade cultural japonesa.

Otomo publicou pela primeira vez seu mangá Akira em 1982 nas páginas da Youth Magazine, publicada por Kodansha. Fundamentada no subgênero ciberpunk, suas raízes mais prevalentes estão no livro Neuromancer (1984), de William Gibson, a série planejada de seis volumes de Otomo não seria concluída até 1990, após mais de 2000 páginas publicadas. No entanto, como em muitas séries populares de mangá, seu autor foi eventualmente abordado para traduzir sua história em um animê antes do mangá ser concluído. Outro exemplo notável dessa tendência pode ser encontrado em Nausicaä of the Valley of the Wind de Hayao Miyazaki, o mangá publicado pela primeira vez em 1982, com filme lançado em 1984. 

Mas a visão de Otomo era muito grande para qualquer estúdio de produção, e ele, que exigia controle criativo, não aceitaria menos do que uma realização completa de sua visão. E assim, um comitê foi formado, representando um conglomerado de empresas japonesas — incluindo Toho Co., Ltd., Bandai Co., Ltd., a editora Kodansha Ltd., e várias outras — determinadas a financiar e coproduzir o mangá de Otomo em um projeto sem precedentes de US$ 11 milhões, composto por 160.000 células de animação meticulosamente detalhada, que fez oito vezes seu orçamento na bilheteria internacional.

O filme começa quando uma gangue de motoqueiros adolescentes liderados pelo amigo Kaneda, envolve outro grupo chamado Clowns. Durante a briga na estrada, o melhor amigo temperamental de Kaneda, Tetsuo Shima, se acidenta ao entrar em contato com um menino de aspecto curiosamente envelhecido e dotado de poderes telecinéticos. De repente, naves do governo chegam para levar Tetsuo e o garoto enrugado. A gangue de Kaneda passa por interrogatório, sem saber que o garoto era um cobaia movido por rebeldes de uma instalação do governo onde cientistas tentam imbuir crianças especiais, chamadas Espers, com "o poder de um deus".

Tetsuo logo passa pelos mesmos experimentos sob a supervisão do Dr. Onishi e seu comandante militar Coronel Shikishima, que tentam replicar o poder indefinível de um Esper chamado Akira, um menino cujos poderes eram tão grandes que causaram a explosão em Tóquio décadas antes. Mas as habilidades naturais de Tetsuo são desencadeadas pelo Dr. Onishi e rapidamente se tornam instáveis e incontroláveis, transformando-o em um maníaco violento, alucinante e faminto por poder determinado a colocar Akira, que sobrevive apenas como órgãos dissecados contidos em frascos, livre de sua prisão subterrânea criogênica. Enquanto isso, Kaneda se interessa por Kei, uma membro de uma facção rebelde determinada a desestabilizar o governo corrupto e irresponsável. Kei e Kaneda logo percebem que ambos estão atrás da mesma coisa, embora não ideologicamente. Quando descobre o que aconteceu com Tetsuo, Kaneda se junta aos rebeldes para recuperar seu melhor amigo e impedi-lo de destruir toda Neo-Tóquio.

No animê, o realismo e o estilo têm uma estranha interação que continua sendo seu motivo visual definidor. Com suas raízes no mangá, o artista de animê comanda ambos os elementos e assume o controle completo. No caso de Akira, o realismo de Otomo se apresenta na forma de imagens pintoras que retratam a incrível paisagem iridescente da cidade de Neo-Tóquio, as imagens apenas um pouco menos fantásticas do que a visão futurista de Ridley Scott para sua Los Angeles inspirada em Tóquio em Blade Runner (1982). Por outro lado, Otomo emprega uma estilização mais cômica em outros lugares, particularmente nas cenas menos pesadas e mais acionadas ou de alívio cômico envolvendo Kaneda. O animê muitas vezes tem essas justaposições de estilo e tom, mas poucos se misturam, bem como a abordagem de Otomo em Akira.

O resultado é inspirador e completamente imersivo. Ao mesmo tempo, o alcance de Otomo, dada a sua abordagem inquestionavelmente cinematográfica, torna-se evidente em todos os lugares, desde inúmeros outros filmes de animê, como Ghost in the Shell (1995), até obras live-action como Matrix (1999) e O Quinto Elemento (1997). Mas o filme é muito mais do que visuais atraentes, conceitos de ficção científica e ação de motocicletas.

É impossível assistir às cenas de abertura de Akira e não pensar imediatamente no bombardeio dos Estados Unidos em Hiroshima e Nagasaki na Segunda Guerra Mundial. Nos próximos anos, o Japão pós-guerra cresceria superpovoado e ocidentalizado. O crescimento econômico desenfreado do país levaria ao que é considerado a epítome das cidades futuristas: Tóquio moderna — uma orgia metropolitana de luzes de neon e ruas movimentadas. Desenvolvida e exagerada na ficção científica e no mangá, a Tóquio do futuro se torna um epicentro metafórico para tudo de errado com o Japão pós-guerra, como a identidade nacional é deformada e talvez perdida no desejo de reconstruir sem restrições. A humanidade e certas liberdades se perdem nesse processo, mas a tecnologia e os requisitos visionários necessários para dar forma ao futuro inegavelmente encantam. No entanto, por mais que Akira critique o Japão pós-guerra e a reformulação da cidade e da cultura da época, seus efeitos sobre os seres humanos são muito mais invasivos.

Além da tecnologia, o indivíduo passa por uma reconstrução semelhante nas mãos de Otomo, especificamente em Tetsuo. Sequestrado e sujeito a experiências desconhecidas, Tetsuo alucina em imagens de sonhos que assustariam Dali. Em uma sequência sangrenta, suas entranhas derramam no chão em uma pilha, e ele tenta desesperadamente puxá-las de volta para dentro; outra sequência mostra um sonho noturno onde projeções de animais de pelúcia se transformam em monstros imponentes. A mente de Tetsuo começa a se expandir. À medida que desenvolve poderes telecinéticos, ele age em demonstrações de violência e destruição. Ele perde todo o sentido de sua história e devoção aos seus amigos. O próprio Tetsuo pode ser uma metáfora para o Japão pós-guerra, ficando fora de controle. 

Em termos menos gráficos, Akira representa sua juventude como rebeldes contra a cultura lutando contra o sistema ou envolvidos em gangues criminosas, de qualquer forma contra a autoridade em todas as formas. Esta é a tragédia do futuro de Otomo no que se refere aos seus personagens, apresentando uma alegoria cínica de como o Japão pós-guerra tem sido irrecuperavelmente influenciado, corpo e alma.

Mais de 3 décadas depois, Akira, de Katsuhiro Otomo, ainda inspira admiração. Hollywood tenta por mais de uma década produzir uma adaptação live-action (bata na madeira!), resultando apenas em falsos começos. Mas nenhuma quantidade computação gráfica cara, poder estelar (nomes envolvidos incluíram Leonardo DiCaprio, Keanu Reeves e Garrett Hedlund), ou valor de produção blockbuster poderia coincidir com a visão singular que Otomo alcançou em 1988. 

Akira permanece tão densamente mergulhado em espetáculos, ideias de ficção científica e uma sobrecarga de informações visuais que seus comentários sociais e culturais podem se perder para os espectadores mais interessados em espetáculo e menos atentos ao conteúdo. Este animê é uma conquista tão extraordinária que exige ser vista e revistada novamente para uma reavaliação em sua mais profunda relevância. E ser apreciada como um marco não apenas de animê, mas de cinema internacional.

REPRESENTAÇÕES DA CULTURA POP: QUEM FOI (E QUEM NÃO FOI) AMAKUSA SHIRO TOKISADA?

O blog pertence a um amante da história extensamente documentada, porém infelizmente distante dos livros didáticos. Sempre fui fascinado pela história da Idade Média e do Japão clássico. (Não se preocupe, parece chato, mas não é! Garanto que é uma postagem muito divertida!) E esta postagem une o medieval europeu ao medieval japonês. Melhor impossível! O período medieval da história foi uma época de grande turbulência e transformação e um capítulo de nossa história que nos encanta até hoje. Abrangendo o fim da antiguidade clássica até a ascensão da Renascença, a era também conhecida como Idade Média é mais comumente associada aos seus episódios mais sombrios: fome e pestilência, a barbárie da guerra. Toda esta visão, no entanto, muito influenciada pelo próprio preconceito de diversos historiadores. Os lampejos de progresso romperam por todo o seu período, de conquistas marcantes em governança, como a Carta Magna (de 1215), a avanços das artes, das ciências, da agricultura e o crescimento dos centros das cidades em toda a Europa. Como um apaixonado pela História, escrevo sobre um dos meus personagens históricos favoritos: Amakusa Shiro Tokisada!

Francisco Xavier, um dos cofundadores da Companhia
de Jesus, constam-se os registros que batizou mais de
700 mil para a fé cristã. (Quadro de Peter Paul Rubens)

(Esta não é uma postagem sobre religião, mas especialmente sobre História). A história do Japão em relação ao cristianismo adquire um tom sombrio. Inicialmente um país que tinha uma comunidade cristã próspera graças aos esforços de São Francisco Xavier e seus companheiros jesuítas, foi brutalmente exterminado durante uma campanha de perseguição do século XVII sob o xogunato Tokugawa. Entre essas vítimas está Amakusa Shiro Tokisada, de 17 anos, um samurai que foi executado 383 anos atrás por liderar a Rebelião de Shimabara. Sua história é bastante popular entre jovens católicos, especialmente aqueles que têm interesse por cultura pop japonesa, animê e videogame. A história de Shiro está repleta de tons de religião, justiça social e heroísmo, especialmente em face de um regime opressor. Alguns o chamaram para ser nomeado entre os santos da Igreja - ou, pelo menos, um mártir, embora eu diria que essa aclamação é um pouco discutível.

AMAKUSA SHIRO: SUA HISTÓRIA

O mapa mostra toda a ilha de Kyushu, com as principais cidades
provinciais (★) e as fronteiras das prefeituras (separadas por linhas
vermelhas). A caixa amarela emoldura aproximadamente a área afetada
pelo conflito. A seta laranja aponta para a Península de Shimabara,
onde o confronto final ocorreu. 

As regiões da Península de Shimabara e Amakusa na costa oposta eram anteriormente os dois domínios do daimyo cristão, Arima Harunobu, bem como Konishi Yukinaga (1558-1600), e assim o cristianismo estava bem espalhado e prosperando entre sua população nas terras remotas. No entanto, de 1616 em diante, Matsukura Shigemasa (1574-1630) e seu sucessor Katsuie (1597-1638) tomariam a área de vida, instituindo um governo autoritário, afetando drasticamente as vidas das pessoas comuns, que agora enfrentavam gradualmente a opressão e a exploração de seus senhores. 

No final de 1637, a população do domínio de Shimabara, lar de uma grande comunidade cristã, sofreu severa opressão de seu daimyo. O Cristianismo foi declarado ilegal, e seu daimyo liderou o ataque com execuções sádicas de cristãos, além de extorquir os aldeões com impostos injustos, pela força (e intimidação psicológica) se necessário. As perseguições foram intensificadas ainda mais sob o terceiro shogun Tokugawa Iemitsu, depois que ele assumiu formalmente o governo em 1623. 

Tokugawa Iemitsu

Na linha do tempo, passaram-se sete anos da nomeação Matsukura Shigemasa para o novo domínio em Shimabara. Mesmo que as restrições e punições tenham se intensificado, no início Shigemasa foi considerado negligente no cumprimento de seus deveres. Por exemplo, Shigemasa não executaria os sacerdotes que foram capturados, mas os chamaria ao castelo para manter conversas e interagir com eles. Isso traria a percepção de que ele era um governante tolerante. A situação era muito diferente na região, dois anos antes de sua chegada, quando o magistrado de Nagasaki estava encarregado dessa função, empunhando seu punho de ferro contra os cristãos.

Shigemasa, porém, sofreu uma mudança repentina, quando em visita obrigatória a Edo. Durante o Sankin Koutai (serviço oficial de atendimento à capital por um daimyo na era Edo), em uma audiência oficial com Iemitsu, ele foi severamente repreendido por seus erros de conduta. Para se proteger da punição, ele imediatamente ordenou que seus principais retentores fossem atrás dos cristãos em seu território quando ele retornasse ao domínio. A mesma pessoa, que antes tratava o padre de maneira comparável, planejaria agora uma atrocidade impensável após a outra para levar as pessoas a abandonar sua fé.

Um dos métodos de tortura que os crentes foram forçados
 a enfrentar, o Iouzeme - punição por aplicação parcial de
água sulfúrica ou imersão completa em termais vulcânicas
infernais de Unzen. 

Tortura e assassinato incluídos, mas não estavam limitados a métodos como o Mokubazeme (Cavalo de madeira/trenó, uma estrutura semelhante a um triângulo, em que o condenado se sentava em suas bordas afiadas por horas, tudo bem apertado, pernas abertas para os lados. Para intensificar o efeito de corte entre as pernas, pedras penduradas nos pés) ou Onsen Jigoku Zeme (para ferver prisioneiros vivos nas fontes termais vulcânicas infernais de Unzen). Se os condenados morressem no processo, eles seriam imediatamente eliminados no local, sendo jogados no abismo infernal de Unzen.

Seu filho, Katsuie, era nada menos que esse mal, tornando-se famoso por um método de tortura chamado Miodori. Camponeses desobedientes ou não contribuintes, considerados iguais aos cristãos, foram amarrados a um poste, envoltos em uma Mino (capa de chuva de palha) e incendiados. Isso porque, uma vez que a palha fosse incendiada, os pobres coitados se contorciam e se contorciam em agonia. Aos olhos de Katsuie e seus promotores, isso parecia divertido, como uma apresentação de dança na frente deles. A opressão em Nagasaki já era considerada dura, mas o que ocorreu na Península de Shimabara trouxe à tona toda a feiura de que a natureza humana é capaz.

Por meio desse regime de terror e castigo sistemático, a grande maioria das pessoas renunciou à fé, os missionários foram completamente erradicados. Como consequência, pode-se presumir que pouco antes da eclosão da revolta, deve ter havido apenas um punhado de crentes inabaláveis ​​sobrando. O número dessas células cristãs deve ter sido tão pequeno que não poderiam representar uma ameaça à segurança nacional. Eles devem ter se preocupado mais em salvar suas vidas diariamente do que em planejar uma rebelião em grande escala. O xogunato estava bem ciente desse fato, mas sob o pretexto de Rebelião de Shimabara sendo uma revolta cristã, o shogunato na distante Edo viu o momento ideal para justificar medidas rigorosas em direção a uma agenda política de isolacionismo. Além disso, a redução armada da rebelião liderou os guerreiros participantes, convocados de todos os cantos do país, para serem instruídos na perseguição da religião proibida e garantiu a aplicação completa em toda a nação até os dias finais do governo Tokugawa. 

As condições instáveis ​​pavimentaram o caminho para a agitação e, eventualmente, uma revolta, com Amakusa Shiro, o carismático adolescente da classe samurai, reunindo as tropas.

Amakusa Shiro como é frequentemente
retratado - um jovem belo de pele clara à moda
ocidental, colocando suas mãos protetoras
sobre suas terras. Sua aparência, na verdade,
é provavelmente muito diferente. 

Não se sabe muito sobre sua juventude, exceto que seus pais, ambos membros da classe samurai, foram convertidos à fé católica. Algum tempo antes dos eventos do levante, ele foi saudado por simpatizantes como um pseudo-messias, capaz de curar doenças e andar sobre as águas. Enfurecido com os crimes cometidos contra seus irmãos de fé, ele reuniu uma armada de mais de 40.000 camponeses da região, sob uma bandeira hasteando uma imagem do Santíssimo Sacramento, anunciada com as palavras em português, “Louvado seja o Santíssimo Sacramento” - “In hoc signo vinces”. Eles assumiram o quartel-general no Castelo de Hara, na esperança de uma possível ajuda portuguesa, e foram inicialmente bem-sucedidos em invadir várias cidades e sitiar vários castelos na área. Por meses, viveram com as abundantes provisões de comida do castelo e lutaram contra as forças imperiais que tentaram alcançá-los.

A bandeira de Amakusa Shiro Tokisada.
Note os dizeres Louvado seja o Santíssimo Sacramento
em português europeu.

 

A conduta de Shiro como líder parecia ser de um caráter mais espiritual, exortando seus seguidores a seguir algum tipo de práticas monásticas cristãs. Por todo o palácio, ele postou cartazes motivacionais com as palavras: “Agora, aqueles que me acompanham no cerco neste castelo, serão meus amigos no outro mundo”. Enquanto trabalhava para repelir as forças imperiais que os cercavam, eventualmente, ele seria traído por um de seus próprios homens, e em poucos dias o castelo seria invadido pelas forças imperiais, e seus habitantes - incluindo ele - seriam massacrados em 28 de fevereiro de 1638. 

A supressão desta revolta levaria o Cristianismo no Japão à clandestinidade por pelo menos dois séculos, com seus praticantes deixados sem os sacramentos e forçados a sincretizar sua fé com os costumes locais para evitar punições governamentais. Até a Guerra Boshin de 1868-1869, o levante de Shiro seria o último grande conflito nacional japonês.

Amakusa Shiro é uma das figuras mais incompreendidas tanto da perspectiva secular japonesa quanto cristã. Há um filme de 1962 que narra bastante sua vida e envolvimento na revolta de Shimabara. O longa em questão tem títulos diversos: The Revolutionary, El Rebelde, ou simplesmente Amakusa Shiro Tokisada. 

Com a ausência da presença missionária no Japão, havia muita perseguição religiosa e forte injustiça social, de modo que os camponeses eram obrigados a pagar elevados impostos afim de sustentar os luxos da nobreza local, isto é, os samurais, os quais os governavam de forma cruel. Tensão social e perseguição religiosa, fatores explosivos os quais motivaram aqueles pacíficos camponeses a uma revolta suicida contra o governo Tokugawa.

Amakusa Shiro Tokisada interpretado por Hashizo Okawa no filme
O Revolucionário de 1962.

O diretor do longa, Nagisa Ôshima, é tanto mais simpático a Shiro do que a própria historiografia católica que pesquisei. No filme temos um retrato de um bom homem, e genuinamente católico. Apesar disso, a revolta de Shimabara não está descrita como inspirada por religião, os motivos sociais falam tanto mais forte. Chama a atenção as belas cenas de oração, conforme a revolta avança essas cenas se fazem mais frequentes e os personagens, com toda a justiça, reagem a uma situação insustentável, aos desmandos, as torturas e a opressão dos samurais de Tokugawa e ao apoio que o mesmo recebera dos holandeses, os quais posicionaram seus canhões contra os católicos japoneses.

AMAKUSA SHIRO: O QUE ELE NÃO ERA

Amakusa Shiro Tokisada foi vítima de uma série de representações errôneas de seu personagem em várias franquias de animê e videogame, tais como:

1) Em uma saga filler do animê Rurouni Kenshin temos Shogo Amakusa, conhecido como "Filho de Deus", assim como também era apelidado o real Amakusa Shiro Tokisada, no qual foi inspirado. Líder de uma rebelião cristã de Shimabara contra o governo Meiji. Quando jovem, seus pais foram brutalmente mortos por perseguidores cristãos de Tokugawa, pouco antes de seu tio Hyouei ser capaz de levar ele e sua irmã Sayo (conhecida pelo nome cristão Lady Magdalia) embora.

Também era conhecido por operar milagres, curando diversas pessoas doentes, porém o segredo do seu poder miraculoso vinha de um grande saber adquirido de seus estudos em Medicina na Europa. Além do protagonista Kenshin Himura e seu mestre, Hiko Seijuro, Shogo também é um discípulo do Hiten Mitsurugi-ryu.

Animê Rurouni Kenshin:Shogo Amakusa e sua irmã Lady Magdalia,
perseguidos por serem cristãos.

Não era uma pessoa má, mas um homem muito compassivo e gentil no fundo de seu coração, nunca quis matar ninguém. Na verdade, sofria tormentos indescritíveis toda vez que tirava a vida de outra pessoa. Kenshin decidiu enfrentá-lo e trazê-lo de volta à luz. Arrependido de tudo o que fez, Shogo até pede a Kenshin que acabe com sua vida, embora seus seguidores o tenham convencido a continuar vivendo e guiando-os. O governo Meiji decidiu perdoar Shogo, mas também exilar a ele e seu povo para sempre.

Animê A Certain Magical Index: Amakusa-Style Remix of Church.

2) Amakusa Shiro Tokisada é o fundador de uma seita cismática, conforme mostrado em A Certain Magical Index - uma série de animê focada parcialmente na religião. A série o mostra como o líder original de um movimento religioso que se separou da Igreja Católica Romana algum tempo antes de sua morte e continua de uma maneira semelhante ao movimento Kakure Kirishitan no Japão, e evoluiu para institucionalizar católicos, budistas e a prática do xintoísmo (!). Contém sacerdotisas, pratica magia e acaba se fundindo com uma Igreja da Inglaterra.

Animê Fate: Amakusa Shiro Tokisada

3) Amakusa Shiro Tokisada é um feiticeiro sedento de poder, como descreve a série Fate. Embora, na realidade, ele tenha sido aclamado como um fazedor de maravilhas pelos habitantes locais, esta série vai além e mostra a ele como tendo recebido a habilidade de Deus de manifestar poderes milagrosos. Ironicamente, ele também compartilha um papel com Santa Joana D'Arc, a famosa Donzela de Orleans, que apesar de suas origens semelhantes como guerreiros com uma missão dada por Deus, a última foi canonizada pelo Papa Pio XI em 1930 e realmente era um caso com muitíssimas reivindicações de santidade.

Animê OVA Ninja Resurrection: representação antagônica de
Amakusa Shiro Tokisada e seus seguidores cristãos.

4) Mais popularmente, Amakusa Shiro foi um demônio (ou pelo menos possuído por um demônio). Um exemplo é o animê Ninja Resurrection de 1997, onde ele se junta às forças do Inferno como uma tentativa de obter poder, servindo na história como o antagonista central a quem os heróis devem matar para evitar que ele se torne o Diabo. Se isso não bastasse, a série retrata o Cristianismo de uma maneira totalmente antagônica. Não recomendo para quem tem suas sensibilidades religiosas.

Ninja Resurrection não é livre para todos os públicos.
(Ê, Tempo bom!)

Quando adolescente, eu era fascinado por esse animê RUIM regado de ultra-violênica e referências ao satanismo e ao estupro. Com uma ingenuidade infantil acreditei que Ninja Ressurrection foi uma continuação de maravilhoso Ninja Scroll, aliás foi assim que o OVA foi vendido para o público ocidental da época. 

Sim, não importam o que os críticos que esbanjam falsa intelectualidade queiram opinar... Ninja Scroll é e sempre será uma obra de arte!

Ninja Ressurrection é, por outro lado, uma abominação animada, uma história sem pé nem cabeça com um roteiro de eventos pra lá de bizarros. Temos um personagem que usa os seus próprios intestinos como arma! Como os descendentes de Yagyu Jubei, Tokugawa Ieyasu e Toyotomi Hideyoshi devem se sentir ao ver os mesmos sendo representados nessa atrocidade animada?

Mas querem saber... 

Ainda assim é muito bom! 

Animê ruim é muito bom! 

Sou fascinado por animê ruim!

Makai Tensho: Amakusa Shiro Tokisada.

5) Makai Tensho, filme de 1981, dirigido por Kinji Fukasaku e baseado em uma novel de mesmo nome de Futaro Yamada, começa no shogunato Tokugawa quando Yui Shosetsu conhece o velho Mori Soiken, que, na história, sobreviveu à rebelião de Shimabara e aprendeu as artes sombrias dos ninpou para se vingar. Sabendo que ambos desejam o destronamento do shogun, Soiken forma uma aliança com Shosetsu e revela um feitiço criado por ele, o Makai Tensho, que pode ressuscitar pessoas mortas e utilizá-las como seus fantoches. Eles logo reúnem um exército de guerreiros mortos-vivos e feiticeiros lendários, entre eles estão Amakusa Shiro Tokisada, Miyamoto Musashi e Araki Mataemon, e planejam usar suas habilidades sobrenaturais para destruir o shogunato. No entanto, Yagyu Jubei Mitsuyoshi, se liberta de seu controle e torna-se determinado por suas próprias razões para parar a rebelião antes que comece. 

Amakusa Shiro Tokisada em Samurai Shodown (2019).

6) O motivo principal que levou o dono do deste blog a querer escrever esta postagem veio quando do lançamento do trailer do personagem DLC Amakusa Shiro Tokisada para o game Samurai Shodown (2019). Considero o jogo de luta da SNK aquele com a melhor e mais rica história de todos, na qual grande parte dos seus personagens foram inspirados em figuras históricas reais. Antes dos eventos de Samurai Shodown, a minha "versão distorcida" favorita de Amakusa é ressuscitado pelo deus das trevas Ambrosia. No momento de sua execução pelo shogunato, o Amakusa histórico teria falado ante seus executores: "Em 100 anos, voltarei para me vingar". E na história do jogo é o que de fato acontece - sua morte aconteceu no século XVII, enquanto, no século XVIII, encarna no mundo dos vivos através do corpo de Hattori Shinzo (um dos filhos de Hattori Hanzo) em preparação para seu próprio avivamento. Seu enredo principal envolve roubar a pedra Palenke, um tesouro sagrado de uma tribo fictícia da América do Sul, que pretendia usar para trazer Ambrosia ao mundo mortal.

Diversidade étnica no game Samurai Shodown.
Tam Tam e Cham Cham, guerreiros indígenas maias.
Procure não pensar muito sobre seus designs polêmicos. 

Claro, como Samurai Shodown é apenas um jogo de luta, os seus desenvolvedores puderam utilizar de muitos anacronismos criativos e engraçados. O elenco do game conta com um ninja texano peidão de quase 3 metros de altura e um ninja loiro de olhos azuis natural de São Francisco, também nos Estados Unidos. Ambos os personagens de nacionalidade estadunidense deveriam, no entanto, ser mexicanos, uma vez que o Texas e São Francisco ainda pertenciam ao México no ano em que a história do game se passa.

A tribo indígena fictícia detentora do tesouro sagrado roubado por Amakusa é definida como Maia, constituindo de um outro erro cômico. Para começar, sua localização encontra-se na região conhecida como Green Hell, ou seja, no meio da floresta Amazônica.

Peraí... Maias na América do Sul?

Os irmãos venezuelanos Tam Tam e Cham Cham, os mais importantes representantes da tribo maia presente no game, citam em algumas de suas falas o deus Quetzalcoatl, uma divindade adorada tanto por Maias quanto por Astecas.

Tam Tam tem as suas vestimentas fortemente inspiradas na cultura maia, porém usa uma estranha máscara de pedra africana e porta uma grande espada semelhante a uma cimitarra, porém os maias não tinham tecnologia para fundir metais e produzir armas como espadas.

Cham Cham é uma garotinha de 12 anos que carrega um bumerangue como sua arma... Bumerangue? Afinal, sua naturalidade é amazônica, maia ou aborígene? Seu design é dotado de orelhas e um rabo de gato reais e ainda apresenta vários maneirismos felinos, como miar, sibilar e arranhar o oponente durante a luta. Como os maias adoravam os jaguares e as onças e muitos de seus deuses tinham características felinas, também acreditavam em pessoas que nasciam com as mesmas orelhas e rabo felinos de Cham Cham, mas ainda não se sabe com certeza se essas crianças jaguares eram como avatares entre o mundo dos vivos e o submundo, um sacrifício humano ou parte de um ritual de passavam para se tornarem reis. 

Nesta história, Amakusa Shiro Tokisada é um espírito louco e vingativo, ressuscitado por Ambrosia, um deus das trevas de aparência demoníaca, como um ser de destruição para estabelecer uma nova ordem mundial. Quando da primeira aparição de Amakusa como chefão final do primeiro game, primeira muitos jogadores o confundiram como uma mulher, devido sua aparência andrógena e voz feminina. A sua aparência e história foram em parte inspiradas no personagem homônimo do filme Makai Tensho, bem como em muitas das figuras artísticas do personagem histórico. A escolha da representação é muito justificável devido a admiração que os japoneses têm pela androgenia para retratar um homem belo e acima de todos os outros homens, como diria Saga de Gêmeos, "um homem que se sobressai entre o céu e a terra", perfeito para aquele apelidado "Filho de Deus".

 

Amakusa é descrito no game como um narcisista por natureza, o que acabou por atraiu originalmente para as tentações de Ambrosia. O retrato das visões do que os japoneses da época percebiam como o cristianismo: uma força antinatural do mal e uma ferramenta de conquista de forças externas. Uma vez que ele é liberado da posse do deus das trevas, ele retorna à sua persona viva como uma alma bondosa e misericordiosa de constituição justa.

No primeiro game da série, no final de Galford - que você pode conferir no vídeo acima - o espírito de Amakusa agradece ao ninja americano por libertá-lo das garras de Ambrosia. 

Fiel ao cristão histórico Amakusa, ele fala de pecado, misericórdia e salvação, especialmente em aparições posteriores. Guarda um profundo ressentimento contra a linhagem Tokugawa, a responsável por sua morte original, como pode ser visto em uma das cinemáticas de Samurai Shodown. Este é um retorno à sua inspiração histórica, onde o Bafuku liderado por Tokugawa o executou. É por esta razão que ele é extremamente hostil ao atual Tokugawa na série, Yoshitora Tokugawa, buscando uma morte lenta e dolorosa para o sucessor de Tokugawa e parentes.

Yoshitora Tokugawa.
"Você sentirá todo o peso do meu rancor.
Sua morte será lenta e dolorosa, Tokugawa",
frase de vitória de Amakusa após derrotar
Yoshitora em Samurai Shodown (2019).

Ienari Tokugawa:
A inspiração de Yoshitora Tokugawa.

Se ele for vitimado pelo movimento "fatality" de Kusaregedo, o youkai cuspirá a cabeça de Amakusa após a devoração, referindo-se ao destino de sua inspiração histórica, que foi decapitado, com a cabeça colocada em uma lança como um aviso contra uma nova insurreição de cristãos contra o Shogunato. No final do personagem em Samurai Shodown IV, quando Hattori Hanzo vem ao seu encontro reclamando o corpo de seu filho Shinzo, o trágico personagem tem seu corpo e alma selados em um túmulo no qual surge, sob sua lápide, surge a seguinte inscrição: "O Filho de Deus jaz aqui".

A primeira aparição de Amakusa Shiro Tokisada no mangá
Samurai Shodown, fazendo referência a mais importante
figura do Cristianismo: Jesus Cristo.

No game, também é falado sobre a amante de Amakusa Shiro, uma bela jovem polonesa que fora sua amiga durante sua infância. Ela cresceu e se tornou uma mulher muito bonita e forte., mas infelizmente também morreu lutando durante a rebelião de Shimabara. Aparentemente, Amakusa esquecia aos poucos as feições da mulher que um dia amou, embora ainda guarde o seu crânio como o seu mais precioso tesouro. Toda essa história é contada no game Shinsetsu Samurai Spirits: Bushido Retsuden de 1997 para o Neo Geo DC.

Devido à sua fé e boa vontade antes de sua morte, a amante de Amakusa foi capaz de passar pacificamente para a vida após a morte, aparentemente transformando-se em um anjo. No entanto, uma vez que descobre que seu amado caiu nas mãos de Ambrosia, ela aparecerá no final do primeiro capítulo para tentar fazê-lo se lembrar dela. Amakusa, que manteve seu crânio em um santuário, negará sua importância para ele. No entanto, se ela tiver sucesso, Amakusa vai perceber o erro de seus caminhos e se juntar a sua amante no céu após sua derrota. Se ela falhar ou não aparecer, Amakusa amaldiçoará o herói com seu último suspiro.

A amante de Amakusa surge perante os heróis do jogo.

Seu sucesso depende do herói escolhido e de suas respostas em uma aldeia cristã japonesa. O protagonista precisa ajudar ativamente na situação difícil de sua aldeia e ser cortês com seus anfitriões. Como o cristianismo era uma prática proibida durante esse período no Japão, o protagonista precisa concordar em manter a religião de sua aldeia em segredo do governo. 

Amakusa é salvo por sua amada.

AMAKUSA SHIRO: SANTO OU MÁRTIR?

Shiro recebeu uma educação cristã em Nagasaki. Apesar de ser reivindicado o líder do levante de Shimabara, há surpreendentemente pouco a registrar sobre sua pessoa. Na época da rebelião, em sua tenra idade, foi descrito como uma criança maravilhosa, de rosto atraente e figura com habilidades retóricas. Por mais habilidoso que ele pudesse ser na pregação, mais duvidoso é que um jovem sem formação militar comandasse um grande exército rebelde. 

A falta de documentação deixa espaço para bastante embelezamento do personagem, que teve muitos retratos ao longo dos anos. Seu papel discutível na rebelião é uma coisa, mas seus poderes e aparência como hoje conhecidas são mais produtos do Kabuki (teatro clássico japonês), do Takarazuka (trupe de teatro musical feminino) e da cultura pop moderna do que fato real. A maior parte dos escritos, retratos e estátuas dele datam do final do período Edo ou mais tarde. Então, às vezes, foi-lhe atribuída a capacidade de conjurar milagres de vários tipos, mas mesmo aos olhos de missionários e padres, essas histórias devem ter sido consideradas charlatanismo.  

Com relação aos apelos para sua santidade, a respeito de suposições para causas para a beatificação e canonização dos santos - você pode consultar as referências deixadas no final da postagem - é dito que, para um candidato ser considerado santo, deve haver uma veneração popular da pessoa, uma biografia clara e concisa de sua vida pessoal e milagres atribuídos a sua intercessão. 

No caso de Amakusa Shiro, temos:

Igreja católica da região de Amakusa, resquício
da cultura portuguesa no Japão.

1) A falta de um culto popular de veneração. Embora exista um bom número de pessoas que o admiram, parece que seu culto não alcançou grande popularidade, mesmo entre os fiéis japoneses nos anos após sua morte, ao contrário de outros santos como Francisco de Assis, Pedro de Verona ou Estanislau da Cracóvia, que foram rapidamente reconhecidos após suas mortes.

2) Os vagos detalhes que cercam sua vida. Além do fato de sabermos que ele era um samurai católico, detalhes sobre as virtudes heroicas que ele praticou em sua vida, sua vida devocional ou o grau de seu envolvimento militar estão seriamente ausentes. A ausência de evidências em torno deles, como demonstrado acima em meu relato de sua vida, tornaria difícil saber com certeza se ele realmente é alguém que vale a pena ser considerado um modelo, ou não.

Cena do filme Silêncio (2016), dirigido por Martin Scorsese.

3) Nenhum caso milagroso verificável atribuído a ele. Finalmente, a falta de intervenções milagrosas atribuídas a ele é um grande problema. De acordo com a teologia cristã, se não há nenhum caso de milagres atribuído a ele, então não é possível a certeza de que ele está realmente está no céu, a não ser um palpite de segunda mão. A falta de milagres póstumos também lançaria dúvidas verificáveis ​​sobre quão legítimos foram os milagres atribuídos a ele em sua vida. 

Mas, mesmo que ele não seja um santo, ele poderia ser considerado, no mínimo, um mártir cristão? 

Há três condições necessárias para que um seja considerado como tal:

I. A pessoa deve ter sido condenada à morte

II. Ele foi morto por ódio ao Cristianismo (em odium fidei), expresso por palavra ou intenção

III. A pessoa deve aceitar sua morte voluntariamente e enfrentá-la humildemente

Alguém que morre defendendo uma falsa concepção do cristianismo, ou para fins medicinais, sociais, militares ou egoístas, seria desqualificado para ser rotulado de mártir. 

Dito isto, a morte de Amakusa Shiro cumpre todas as condições?

AMAKUSA SHIRO: MORTO EM ODIUM FIDEI?

No papel, dado o uso de imagens cristãs pelas tropas de Shiro, como o Santíssimo Sacramento em suas bandeiras, pode-se ver isso como um levante cristão, como o levante de Vendéia durante a Revolução Francesa do século XVIII ou as Guerras Cristeras do século XX no México. Mas enquanto esses dois grupos deixaram claro que pretendiam lutar para defender a fé contra os ataques de um governo pagão, a principal intenção de Shimabara foi contestada por estudiosos ocidentais e japoneses. 

Analisando a troca de cartas entre as tropas de Shiro e as forças imperiais, mostram que, embora a liberdade de praticar o cristianismo fosse uma das exigências, o mesmo acontecia com a cobrança de pesados ​​impostos sobre eles pelo daimyo local. Na verdade, eles insistem que o último parecia ser de maior importância do que o primeiro e, portanto, consideram o evento como motivado pela economia, ao invés da religião (FARIAS, J. A., 2016; OHASHI, Y., 2010).

Por outro lado, entre os rebeldes, a prática do cristianismo constituía uma parte significativa de seus deveres não combatentes, essencialmente marcando uma identidade sobre eles, assim como os combatentes de Vendéia e os Cristeros (KREEFT, N., 2011). 

As forças imperiais, lideradas por Matsuda Nobutsuna, um daimyo japonês, manifestaram seu desejo de matar rebeldes cristãos em suas negociações, poupando aqueles que não estavam ou estavam dispostos a apostatar. Dado o contexto em torno do levante e da violenta campanha empreendida contra a fé durante e após o fato, acho plausível que Shiro tenha sido executado em odium fidei. 

AMAKUSA SHIRO: UMA MORTE PIEDOSA?

No entanto, a terceira condição é onde eu sinto que o caso de Shiro desmorona. Antes de sua execução, ele teria proferido como suas últimas palavras: “Em 100 anos voltarei para me vingar”. Compare isso com os registros de outros mártires humildemente aceitaram suas mortes sem qualquer indício de má vontade para com seus captores (Conforme registros na historiografia e tradição cristãs - favor, conferir REFERÊNCIAS ao final da postagem):

Santo Estêvão rezou pelo perdão de seus assassinos, um deles em uma irônica reviravolta sendo o futuro mártir e missionário São Paulo de Tarso

O Beato Noel Pinot e os Mártires de Compiegne rezaram silenciosamente as palavras de abertura da Missa (Salmo 42) e cantaram o Salve Regina respectivamente enquanto caminhavam para a guilhotina.

São Thomas More e São John Fisher enfrentaram a morte com coragem, recusando-se anteriormente a trair sua fidelidade ao papado ao reconhecer Henrique VIII como chefe da Igreja Inglesa

São Jean de Brebeuf e seus companheiros, também conhecidos como os mártires norte-americanos, suportaram com calma as torturas impostas por seus captores nativos americanos

São Josaphat Kuntsevych rezou por seus supostos assassinos ortodoxos orientais anticatólicos.

No Japão, e muito antes de Shiro, o próprio imperador Toyotomi Hideoyshi, sentindo-se ameaçado pelo cristianismo, ordenou a banimento de religiosos em 1587 e mais de 3.000 cristãos foram martirizados. São Paulo Miki foi batizado em tenra e era um japonês estudando para se tornar padre e cujo pai era um líder militar, conhecia a história de sua nação, entendia a religião budista e era capaz de superar seus sacerdotes. Em 1597, Miki e seus companheiros foram martirizados em Nagasaki. Os soldados de Hideoyshi os amarraram às cruzes com faixas de ferro em seus pulsos, tornozelos e gargantas. Em seguida, tiveram seus corpos transpassados com lanças. Muitas pessoas vieram assistir às mortes cruéis. Estas são suas últimas palavras registradas: “Tendo chegado a este momento da minha existência, creio que nenhum de vós pensa que quero esconder a verdade. É por isso que vos declaro que não há outro meio de salvação senão aquele seguido pelos cristãos. Desde este caminho me ensina a perdoar meus inimigos e todos os que me ofenderam, de bom grado perdoo o rei e todos aqueles que desejaram minha morte. E oro para que obtenham o desejo do batismo cristão”. Nesse ponto, ele voltou os olhos em direção a seus companheiros e começou a encorajá-los em sua luta final. "Como meu Mestre", murmurou Paulo, "eu morrerei na cruz. Como ele, uma lança perfurará meu coração para que meu sangue e meu amor possam fluir sobre a terra e santificá-la em seu nome”.

Se as últimas palavras de Amakusa Shiro Tokisada foram de fora aquelas registradas, de acordo com o que os cristãos creem, teriam um cheiro de heresia, uma vez que fazem referência à reencarnação. Por que ele também sentiria necessidade de amaldiçoar seus opressores? Não faria mais sentido colocar toda a sua preparação na contemplação de uma felicidade eterna com o seu Deus, ou cometer um ato de contrição perfeita como um mártir? Como resultado, fica uma dúvida positiva sobre chamá-lo de mártir cristão - seus momentos finais simplesmente não se somam a nenhum deles.

CONCLUSÃO

Para resumir, a rebelião de Shimabara foi parcialmente motivada por uma mistura de fatores econômicos e religiosos, mas dada a aversão do shogunato à fé durante aquele tempo, é plausível que a morte de Amakusa Shiro tenha sido motivada pelo último motivo. 

A vida de São Josafá Kuntsevych da Ucrânia teve algumas semelhanças com a de Amakusa Shiro Tokisada, particularmente seu zelo à sua fé desde a juventude e sincera esperança de unir a todos sob esta bandeira, levando muitos ortodoxos orientais a se converterem. Porém, os seus compatriotas ortodoxos, que o viam como um traidor, o mataram em 1623. Comparando as histórias dos dois personagens, no entanto, faltaria a Shiro, em questões espirituais, aquilo no que São Josafat se destacou, com muitas conversões genuínas e numerosos milagres atribuídos. 

Enquanto Justo Takayama (1552-1615), outro samurai católico perseguido, pode terminar a sua vida pacificamente nas Filipinas, já cristã na época, o que aconteceu a Shiro foi lamentável, torturado e morto por Tokugawa. O irônico é que finalmente os historiadores japoneses estão reconhecendo Amakusa Shiro Tokisada como uma figura de fato heroica. No entanto, ele não enfrentou a morte com humildade, mas sim com fúria e vingança. E adicionado ao fato de que não se sabe muito sobre sua vida pessoal e dúvidas gerais sobre a autenticidade de seus milagres, teólogos estão dispostos a se referirem a ele como um ferrenho defensor da fé cristã, mesmo não estando entre os mártires da Igreja.

REFERÊNCIAS

Jake A. Farias, "The Desperate Rebels of Shimabara: The Economic and Political Persecutions And The Tradition of Peasant Revolt" (The Gettysburg Historical Journal, Volume 15, Artigo 7, 2016).

Yukihiro Ohashi, “The Revolt Of Shimabara-Amakusa” (Boletim de Estudos Luso-Japoneses, Vol 20, 2010).

Nadia Kreeft, "Deus Resurrected - Um novo olhar sobre o cristianismo na rebelião Shimabara-Amakusa de 1637" (2011).